Reviews of the week

The new album After The Last Sky by Anouar Brahem with Anja Lechner, Django Bates and Dave Holland fascinates reviewers in Germany, Switzerland and Italy

Für das Album ‘After the Last Sky’ hat sich zu seinem Trio mit Django Bates, Klavier, und Dave Holland, Bass, die Cellistin Anja Lechner gesellt. Sie gibt der Musik eine geschmeidige lyrische, oft sanglich-feierliche Komponente. Aber für Brahem geht es bei dieser Produktion nicht primär um mediterrane Musikalität. Es gibt eine politische Botschaft, die sich um verschiedene Arten von Abwesenheit dreht: Abwesenheit der Toten, Abwesenheit von Empathie und Menschlichkeit. […] Musik spiegelt Umstände, unter denen sie entsteht, formuliert aber keine Parteinahme. Ihre wichtigste Qualität ist eher die Überwindung von Politik, Geschichte, Konflikt, und ihre Wirkung auf ihr Publikum ist weder einheitlich noch planbar. Dass Brahems Musik auf diesem Album streckenweise bedrückend oder alarmierend wirkt, muss also nicht einmal für alle gelten. Und sie hat auch andere Komponenten. Ein Stück wie ‘Dancing Under the Meteorites’ klingt manchmal geradezu unbeschädigt. Die düstere Ruhelosigkeit in ‘Endless Wandering’ betrifft alle, die ziellos unterwegs sind. Und ‘The Sweet Oranges Of Jaffa’ macht einen Puls hörbar, der ethnisch und politisch nicht festgelegt werden kann. […] Als verbindlicher Eindruck bleibt, dass ‘After The Last Sky’ ein gewissenhaft, tiefgründig und präzise gearbeitetes Konzept enthält, das grundiert ist vom aktuellen Lebensgefühl eines Tunesiers, dem die palästinensische Geschichte vertraut ist und emotional nahe geht – und der alles andere seinen Mitmusikern und Mitmusikerinnen, Hörern und Hörerinnen überlässt.

Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau

Zwischen Trauer und Traum verortet er die elf leise mäandernden Stücke, für die er an seiner  arabischen Oud-Laute prominente Mitspieler hat: erstmals Anja Lechner als klassisches Cello, das immer wieder elegisch singen darf, Dave Holland als dezent pulsierender Jazzbass und Django Bates am Flügel, perlend im endlosen Fluss der Zeit. Fantastische Vier, die filigran Hoffnung machen.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten

Das Cello Anja Lechners, die aus der Klassik kommt, aber – etwa durch ihre Zusammenarbeit mit dem Bandoneonisten Dino Saluzzi oder dem Pianisten Francois Couturier – auch improvisatorisch sehr erfahren ist,  verleiht Brahems melancholischer Musik zusätzliche Tiefe und Nachdenklichkeit. Die absolut auf Augenhöhe agierende Deutsche bereichert das Quartett nicht nur klanglich, sondern auch in wunderbaren Konversationen mit ihren Partnern. Vielleicht Brahems beindruckendstes Album, eine Musik der bewegenden Ruhe und von großer Sinnlichkeit.

Steff Rohrbach, Jazz’n’more

Tunisino, 67 anni, maestro dell’oud, il liuto arabo dal manico corto e dalla cassa bombata che ha un suono di sabbia e sale, morbido e ricco di ombre, la sua musica è quanto di più meticcio si possa immaginare: ovviamente Brahem conosce  perfettamente la tradizione del maqam arabo, ma anche la musica classica europea gli è familiare, come il calore del jazz (nei cui circuiti si muove di solito) o la sensualità del tango. Immaginate un esperanto che parla la lingua del cuore, una musica che non ha paura di essere bella, languidamente sensuale come un racconto delle Mille e una notte, melodicamente spudorata (e raffinatissima) come da tempo non si sentiva, ricca di malinconia, dolore, saggezza. Poi cercate gli album che ha già realizzato per l’etichetta ECM, la casa di Manfred Eicher che sembra nata per ospitarne il suono e le idee: tanti gioielli, ‘Conte de l’incroyable amour’, ‘Le pas du chat noir’, ‘Thimar’ (insieme a due giganti come John Surman e Dave Holland). Infine, fatevi un regalo e procuratevi il suo ultimo album, ‘After the Last Sky’. All’opera un quartetto con Holland al contrabbasso, Django Bates al pianoforte e la violoncellista classica Anja Lechner. È proprio il suo strumento la novità più bella del disco, il vero alter ego dell’oud di Brahem, con il quale spartisce melodie e temi di una bellezza penetrante.

Fabrizio Versienti, Il Corriere del Mezzogiorno

Reviewers from Germany and Austria are enchanted by the new album Homage by Joe Lovano with the Marcin Wasilewski Trio

Eine herzerweichend zarte Fassung von Zbigniew Seiferts ‘Love In The Garden’ leitet diese Disc ein. In ‘Golden Horn’ tänzelt Lovanos Tenorsaxofon über dem federnden Quartett, bevor die Musiker auf diesem überraschungsreichen Werk den ECM-Gründer Manfred Eicher ehren. […] Ein Lob für den Klang dieser Fusion aus komponierten und freien Passagen.

Werner Stiefele, Audio-Stereoplay (‘Jazz-CD des Monats’)

US-Saxofonist Joe Lovano und seine polnischen Trio-Freunde rund um den subtilen Pianisten Marcin Wasilewski klingen punktuell ganz schön freitonal. Das Stück ‘Homage’ ist aber vor allem eine interessante kurze Reise in sehr abstrakte Sphären. Das gleichnamige Album (ECM), ihr zweites gemeinsames Projekt, bietet daneben aber ausreichend entschleunigte Lyrismen und Stimmungsfarben. Natürlich sind hier richtige Könner am Gestaltungswerk, die mit reiner Gestaltung von Atmosphäre nichts am Hut haben. Raffinement beherrscht die spontane Kommunikation, alles fließt und ist voll exzentrischer melodischer Wendungen. Expressivität ist hier auch eine Verwandte der Subtilität. Wer etwas zu sagen hat, muss weder ständig reden noch laut werden.

Liubjša Tošić, Der Standard

A Greek daily paper on the new album Watersong by Savina Yannatou and Primavera en Solonico with Lamia Bedoui

Since her groundbreaking Songs of the Mediterranean album in 1997, Savina Yannatou has devoted herself to uncovering and reinterpreting the traditional music of the Mediterranean, always infusing it with fresh, innovative elements. In ‘Watersong’, her collaboration with Lamia Bedioui creates a breathtaking dialogue between Arabic, Bedouin, and Mediterranean musical languages. Instrumentally, the album draws from a rich, evocative palette: the oud, qanun, ney, violin, accordion, waterphone, and contrabass conjure a soundscape that feels both ancient and vividly contemporary. The musical journey crosses continents and centuries. A traditional Egyptian tune melts into a melody from North Macedonia; a 10th-century poem by Arab prince Abu Firas al-Hamdani finds resonance between a South Italian lament and a Greek carol. Elsewhere, an Irish Gaelic ballad and a Corsican folk song stand side-by-side, followed by Primavera en Salonico’s inspired rendition of the African-American spiritual ‘Wade In The Water.’ Far from merely presenting a patchwork of influences, Yannatou and her ensemble reveal the deep, often hidden connections between disparate traditions, offering a vision of shared human experience through the lens of water.

Thomas Daskalakis, To Vima

The new album Arcanum by Arve Henriksen, Trygve Seim, Anders Jormin and Markku Ounaskari attracts acclaim in the UK and Germany

It has long been acknowledged how ECM nurture their artists. Like the musicians themselves, the label is in it for the long haul. It is within this culture that musicians grow and mature individually and collectively in many established groups that stay together for extended periods of time. Out of this longevity paths cross and intertwine and new relationships and groups are forged as is the case on this beautiful and exploratory album. All four musicians are more than familiar with each other and have made music together in various permutations, but this is their first recording together as an ensemble. […] With a programme that seamlessly transitions between the composed and improvised, the group already have an identity and sound world of their own. This is clearly heard on the improvised ‘Folkesong’ that often give the impression of being pre-composed, and is greatly enhanced by Henriksen’s decision to move away from his dialogue with Seim and out down his trumpet and using his electronics to create background for the soprano saxophone to develop the theme and take the music forward. This leads to the delightful ‘Trofast’ written by Seim, who is still on soprano but hands over his gently lyrical theme over to Henriksen’s delicately phrased trumpet. Subtle and delicate moments abound on this scintillating album, with the compositions and improvisations so intuitively played as to blur the lines. The interplay between melodic and full tones tenor saxophone and to fragility inherent in the trumpet playing of Henriksen are another highlight in Jormin’s composition ‘Koto’, and the relationship once again shifts in another piece by the bassist in ‘Elegy’. […] It is this wilful and sometimes playful interaction between the musicians and the material that brings forth a cornucopia of dramatic, tender and lyrical moments that appear as if out of thin air. A wonderful debut from a quartet that seemingly has much more to say, and hopefully the time and opportunity to do so.

Nick Lea, Jazz Views

Auf ‘Arcanum’ gehen sie einen sehr intimen Quatrolog ein, indem sie sich weniger  an den sprichwörtlichen skandinavischen Klanglandschaftsbildern orientieren als an historischen Vorbildern wie dem Ornette Coleman Quartet, dem Tomasz Stanko Quartet der frühen 1970er Jahre oder der Band Old And New Dreams. So wird daraus ein Dialog der Epochen, der viele hypnotische Momente hat, unterschwellig aber auch eine subversive Reibung auslöst, die durch den dezenten Einsatz von Electronica noch verstärkt wird. Ein sehr starkes Album von ECM in der Auseinandersetzung mit der eigenen Labelgeschichte.

Wolf Kampmann, Eclipsed

A Swiss music magazine on the album Defiant Life by Vijay Iyer with Wadada Leo Smith

In den sechs Stücken beweisen Iyer und Smith, wie man trotz schwarz behangenen Himmels dem Firmament Lichtstrahlen entlocken kann. ‘Diese Aufnahmesitzung war geprägt von  unserer anhaltenden  Trauer und Empörung über die Grausamkeiten des vergangenen Jahres, aber auch von unserem Glauben an menschliche Möglichkeiten’, schreibt Iyer dazu im Booklet. Um diese Gegensätze hörbar werden zu lassen, dominiert in ihrer Musik denn auch ein raffiniertes Spiel mit den Kontrasten. Wenn Iyer mit bedrohlichen Clustern den Boden bedeckt oder atonale Töne schweben lässt, dann kontert Smith mit purer Lyrik. Oder umgekehrt. Der Rollenwechsel geschieht dabei spielend, fliessend, oft zunächst unbemerkt.

Rudolf Amstutz, Jazz’n’ More

The vinyl-reissue of Chick Corea’s Piano Improvisations Vol.1 within the Luminessence-series is welcomed by reviewers in the USA and the UK

Throughout these performances, Corea exudes confidence. The set opens boldly with ‘Noon Song’: it sounds, from its beginning, as if Corea were already in the middle of a conversation. His right hand plays a lyrical phrase and the rest of the piece follows from that graceful, improvised melody. At various points in the four-minute improv, Corea takes the time to slow and lighten up. On his own, he embraces flexibility. Surprisingly, after about two minutes, he indulges in sudden rhythmic perkiness. […] ‘Sometime Ago’ opens with his right hand playing a melody accompanied by a rhythm that seems ready to explode into one of Corea’s ‘My Spanish Heart’ dances. The entire second side of ‘Piano Improvisations’ is given over to the eight related pieces that Corea calls ‘Where are You Now? A Suite of Eight Pictures.’ They are varied. ‘Picture Three’ is particularly startling: the pianist plays darting phrases high in the treble, then includes some quiet tinklings on prepared piano. The track is made up of a series of brisk moves, some barely audible, none in the mid or bass range of the instruments. ‘Picture 4’ sounds as if it came from a different sensibility: it’s a warmly played piece over a restless rhythm. ‘Picture 8,’ on the other hand, opens with a solemn series of chords. Then it seems to just fade away, as if it were the capstone to a succession of suggestions. The ideas that occur to Corea in these improvisations seem to follow one another logically, but that logic includes unpredictable contrasts.

Michael Ullman, Arts Fuse

Originally released in 1971, ‘Piano Improvisations Vol.1’ by Chick Corea was the first in what was to become a trilogy of solo piano recordings during that period of time. Keith Jarrett’s ‘Facing You’ and Paul Bley’s ‘Open, To Love’ soon followed, all masterminded by the producer Manfred Eicher, head of what was back then a fledgling record label, one which has unequivocally proved to be continually forward thinking and ahead of its time. Eicher’s vision went against the grain for its time, as referred to in Neil Tesser’s informative liner notes for this wonderful audiophile reissue. Overshadowed by a decade that saw a new electric jazz breaking through into the mainstream with jazz-rock, free-jazz, experimental and fusion, it was as much of a surprise to the artists themselves to get the call from Eicher as it was for the general public when the albums were released. […] Corea’s superlative playing is as fascinating in its brilliance as it is in its unmatched uniqueness. It’s like an early morning, sitting in the garden and listening to the birds sing. A dawn chorus of sublime voices making music, captivating in its beauty and varying in its intensity, from the softest single note to the most powerfully cascading flourishes. Music such as this will always feels fresh, inventive and invigorating. ‘Piano Improvisations Vol.1’ is yet another important release in ECM’s superb Luminessence Series.

Mike Gates, UK Vibe

A Swiss reaction to the piano-solo recording Skrifum by Jon Balke

Die abstrakten, jedoch klar die Absicht beschreibenden Titel der insgesamt 14 Stücke wie ‘Calligraphic’, ‘Lanes’, ‘Ductus’ oder ‘Syllables’ zeigen auf, in welchem Mikrokosmos der Musiker sich mittlerweile befindet. Klang und Atmosphäre jedes einzelnen Tons werden akribisch ausgearbeitet. Das klingt alles sehr theoretisch, doch die asketischen Miniaturen entpuppen sich als erhaben schillernde Klangwolken von großer Dichte und schier unendlicher Tiefe.

Rudolf Amstutz, Jazz’n’more